Die Land Art sieht vor, die Leinwand als ästhetische Verbindung zur Natur abzuschaffen und vielmehr Kunstwerke vor Ort in natürlicher oder wilder Umgebung zu schaffen. Die Bewegung entstand 1968 in den Vereinigten Staaten und Robert Smithson etablierte sie mit seinem Essay „The Sedimentation of the Mind: Earth Projects“. Land Art entstand aus einer Reaktion gegen das traditionelle System der Produktion, Ausstellung und Vermarktung von Kunst. Daher wollten sich Künstler von Werkstätten, Museen und Galerien befreien und den damals vorherrschenden abstrakten Expressionismus und künstlerischen Dogmatismus herausfordern.
Diese Tradition wurde von mehreren zeitgenössischen Künstlern fortgeführt, die direkt in der Natur arbeiten. Die Werke sind umweltfreundlich und oft vergänglich und bestehen aus Blättern, Steinen und Kieselsteinen, Schlamm oder Baumstämmen. Als ein bedeutender Vertreter der Land Art will Andy Goldsworthy den Menschen die natürliche Umwelt verständlich machen, also „zeigen, was bereits da ist“.
Andy Goldsworthy wurde 1956 in England geboren. In jungen Jahren arbeitete er auf Bauernhöfen, was sein späteres Schaffen maßgeblich beeinflusste. Er entdeckte die Schönheit und Brutalität natürlicher Materialien und wie der Mensch sie verändern kann. Seiner Meinung nach wird die Landwirtschaft zu einer Kunstform, da das Stapeln von Strohballen zur Bildung einer imposanten Skulptur führt oder das Pflügen eines Feldes dem Zeichnen gleichkommt. Nach seinem Kunststudium von 1974 bis 1978 begann er ganz natürlich, ephemere Werke zu schaffen, die wahrscheinlich von den Vorläufern der Land Art wie Richard Long oder Nils Udo inspiriert waren.
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Goldsworthys künstlerischer Prozess ist sehr einfach: Für seine vergänglichen Werke nutzt er nur seine Hände, improvisierte Werkzeuge, manchmal ein Messer und vor allem das, was ihn umgibt, ohne vorher zu wissen, was er dort vorfinden wird. Seine Arbeiten sind daher ganz vom Ort, aber auch vom Wetter abhängig.
Er verbringt mehrere Stunden damit, Zweige oder Blätter zusammenzubauen und muss oft wieder von vorne beginnen, weil der Zusammenbau nicht klappt. Um die Materialien zusammenzuhalten, verwendet er Dornen oder seinen Speichel anstelle von Klebstoff, was ihm neben dem Respekt vor der Umwelt auch eine gewisse Freiheit in seinem kreativen Prozess ermöglicht.
Obwohl Goldsworthy die meiste Zeit am Ort der Schöpfung improvisiert, hat er dennoch gelegentlich Skizzen angefertigt und Maschinen verwendet, um imposantere oder dauerhaftere Werke zu schaffen (insbesondere die größten Steinhaufen oder Skulpturen wie Roof, Stone River und Three Cairns, Moonlit Path und Chalk Stones). Oftmals baut er seine Skulpturen Stein für Stein auf, schneidet und setzt sie in wochenlanger Handarbeit zusammen. Für Goldsworthy bleibt die Arbeit mit Stein ebenso fragil und vergänglich wie die Arbeit mit Blättern.
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Er erklärt, dass ihm die Natur wunderbare Lektionen über ihre Formen und Farben bietet: Man muss ein möglichst intensives Grün oder Rot und das richtige Material für den richtigen Standort finden und lernen, die Farbe mit Wasser zu „aktivieren“. Dadurch kann die Platzierung eines gelben oder orangefarbenen Blattes dessen Wirkung völlig verändern.
Bewegung, Veränderung, Licht, Wachstum und Wandel sind die Seele der Natur, die Energien, die ich durch meine Arbeit zu vermitteln versuche.
Die Vergänglichkeit von Goldsworthys Werken reicht von wenigen Sekunden bei Schnee bis zu mehreren Jahren bei Stein und Metall. Diese Zeitlichkeit, die sich im Einfluss der Natur auf die Werke manifestiert, macht sie noch wertvoller. Die Fotografie wurde daher zu einem wesentlichen Bestandteil seiner Arbeit und Goldsworthy bewahrt Spuren seiner Werke, indem er einen Titel in Form einer erläuternden Bildunterschrift hinzufügt. Land Art lädt nicht einfach dazu ein, das Schauspiel der Natur zu betrachten, sondern es zu durchdringen, und auch wenn die Fotografie kein völliges Eintauchen mehr zulässt, trägt sie dennoch zur Entdeckung dessen bei, was „schon da“ ist. Es ist wichtig darauf hinzuweisen, dass die Fotografie das Werk nicht ersetzt und das Werk nicht zum Fotografieren geschaffen wurde.
Goldsworthy möchte mit der Landschaft arbeiten, ohne ihr seinen Stempel aufzudrücken, um ein Gefühl der Harmonie mit der Natur zu schaffen. Allerdings lehnt er die Idee der menschlichen Präsenz nicht ab, denn sie ist überall in dem, was er schafft. Im Gegenteil, sein Körper ist integraler Bestandteil des Werkes, fast wie bei einem Happening.
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Es muss festgehalten werden, dass Andy Goldsworthys Werke nicht nur Objekte sind, sondern tatsächlich Erlebnisse, die jedes Mal für eine einzigartige Atmosphäre sorgen. Er ist einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts, mit Werken, die ganz selbstverständlich mit künstlerischen Konventionen brechen. Er inspirierte andere Künstler wie Richard Shilling, der ohne künstlerische Kenntnisse begann, Goldsworthys Werke zu kopieren. Genau wie Goldsworthy verwendet er für die Herstellung seiner Skulpturen ausschließlich natürliche Elemente, die er direkt vor Ort findet. Shillings häufigste Themen sind ausgewogene Skulpturen, die von Goldsworthys Steinhaufen inspiriert sind, und geometrische Muster.
