Denkt man an die Gotik, hat man vielleicht als erstes eine ihrer Kathedralen vor Augen, die im frühen 11. Jahrhundert in Frankreich entstanden und die eher gedrungene romanische Basilika ablösten. Die Gotteshäuser mit ihren Spitzbögen, Kreuzrippengewölben und Strebebögen wuchsen in schwindelerregende Höhen und waren zudem mit einer Vielzahl an hohen Fenstern ausgestattet, wie man es noch nie zuvor gesehen hatte. Diese Fenster aus Buntglas beanspruchten immer mehr Raum für sich und drängten die Freskomalerei an den Wänden immer mehr zurück. Im Vordergrund stand die Kunst der Steinmetz und Bildhauer, die die Kirchen mit prächtigen Portalen und Heiligenfiguren ausschmückten. Jedoch entstand durch die im 13. Jahrhundert im Westen bekannt gewordenen byzantinischen Ikonen ein neues Betätigungsfeld für die Maler: das uns heute so geläufige Altarbild als Tafelmalerei.
Allgemein wurde die Tafelmalerei immer bedeutender und das nicht nur im religiösen Bereich. Im Laufe des 14. Jahrhunderts entdeckte man ein ganz neues Selbstverständnis, wodurch die ersten profanen Porträts entstanden, die zudem durchaus eine Individualität ausdrückten. Nachdem die Kunst lange Zeit beinahe ausschließlich von einem religiösen Jenseitsgedanken geprägt war, begann man sich für das Diesseits zu interessieren, für Gottes Schöpfung auf Erden, die mit zunehmendem Naturalismus wiedergegeben wurde.
Giotto di Bondone (um 1267 - 1337)
In Italien konnten die filigrane und von Fenstern dominierte Kirchenarchitektur der Gotik nicht Fuß fassen, sodass in den Bauwerken genügend Raum für die Künstler blieb, um ihren Aufträgen nachzugehen. Als hervorragende Beispiele sind hier die Fresken der Basilika San Francesco in Assisi und der Cappella degli Scrovegni in Padua. Für beide Bauten schuf Giotto di Bondone herausragende Beispiele, deren Qualität dazu beitrug, die zuvor bevorzugte Ausstattung mit Bildmosaiken (Wandmalerei galt bis dahin als billige Alternative) zu verdrängen. Giottos Figuren wirkten nahbar und agierten miteinander, statt nur nebeneinander zu existieren. Die Natürlichkeit seiner Darstellungen wirkten lebendig und ließen eine Perspektive erkennen.
Wie bedeutend Giotto war, lässt sich vielleicht auch daran erkennen, dass sich schon früh Legenden um ihn rankten. So soll ihn sein Lehrer, der Florentiner Maler Cimabue, beim Hüten einer Schafherde entdeckt haben, als er Bilder auf Felsen malte. Dass sein Schüler ihn schließlich übertrumpfte, soll Cimabue laut einer Anekdote daran erkannt haben, dass er eine von Giotto auf einem Bild heimlich gemalte Fliege für echt hielt und zu verscheuchen versuchte. Und dann ist da noch jene Episode, in der ein Abgesandter des Papstes eine Arbeitsprobe von Giotto verlangte und dieser daraufhin mit freier Hand einen perfekten Kreis zeichnete.
Antonio Pisanello (vor 1395 - um 1455)
In Sachen Naturalismus machte Antonio Pisanello niemand so schnell etwas vor. Einen außergewöhnlichen Beweis für diese Behauptung liefert der Codex Vallardi, eine Band mit den gesammelten Zeichnungen des an den Höfen Oberitaliens tätigen Künstlers. Die Studien und Skizzen zeigen heimische aber auch exotische Tiere wie Geparde, Löwen, Affen und sogar eine Meeresschildkröte, die er vielleicht in den Menagerien seiner Auftraggeber vorfand.
Neben seiner Tätigkeit als Maler war Pisanello unter dem Einfluss der Humanisten auch ein hervorragender Medailleur, der mit seinen Bildnismedaillen an antike Traditionen anknüpfte. In diesem Zusammenhang müssen vielleicht auch die von ihm ausgeführten Porträts betrachtet werden, die die Dargestellten im strengen Profil zeigen. Als schönste Beispiele können hier die Porträts von Leonello d’Este, Markgraf von Ferrara, und dessen Halbschwester Ginevra genannt werden.
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Cimabue (um 1240 - nach 1302)
Einen weiteren Meister dieser Epoche haben wir als Lehrer Giottos bereits kennengelernt: Cimabue, der bereits zu Lebzeiten von den Florentinern bewundert wurde, dessen Bedeutung jedoch später durch den Genius seines Meisterschülers überschattet wurde. Vasari sagte über ihn, er habe als erster den „griechischen Stil“ überwunden. Gemeint war damit der flache und formelle Stil des Byzantinischen Reiches, der vor allem in Form von Ikonen in der westlichen Kunst Einzug hielt. Diese wurden in Tafelbilder umgewandelt und vor allem für die neu in Mode gekommenen Altarbilder verwendet, wobei die Maestà, die thronende Madonna, besonders beliebt war.
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Cimabue führte eine neue Lebendigkeit und Nahbarkeit in seinen Darstellungen ein, was besonders bei seinen Kruzifixen deutlich wird, die die Leiden Christi thematisieren, statt ihm im Triumph der baldigen Auferstehung zu zeigen. Auch anatomisch ging Cimabue neue Wege, indem er nicht davor zurückschreckt, Details des menschlichen Körpers, wie Muskeln und Sehnen, darzustellen.
Vasaris Lobgesang auf Cimabue führte zu einem Missverständnis, das bis ins späte 19. Jahrhundert bestand hatte. So beschrieb eine Episode, wonach eine Maestà Cimabues (die Madonna Rucellai) von seinen Zeitgenossen so sehr gefeiert wurde, dass sie in einer feierlichen Prozession vom Ort ihres Entstehens zur Kirche Santa Maria Novella getragen wurde. Diese Geschichte wurde 1853 vom englischen neoklassizistischen Maler Frederic Leighton aufgegriffen, der sie in dem 222 × 521 cm messenden Monumentalgemälde Cimabues gefeierte Madonna wird in Prozession durch die Straßen von Florenz getragen darstellte. Drei Jahre arbeitete Leighton an dem Werk, das 1855 in London in der Royal Academy of Arts ausgestellt und von Queen Victoria gekauft wurde. Was Leighton wohl empfunden hat, als sich noch zu seinen Lebzeiten herausstellte, dass die von ihm abgebildete Madonna Rucellai nicht von Cimabue, sondern von dessen Sienenser Konkurrenten Duccio di Buoninsegna stammte?
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Die Brüder Limburg (1380er Jahre - 1416)
Auch Duccio (um 1255 - 1318/19) war ein Erneuerer, der die traditionelle byzantinische Kunst mit der modernen Kunst in Frankreich verband, die er höchstwahrscheinlich vor Ort kennengelernt hatte. In Frankreich blühten sowohl die Glasmalerei für die Kathedralenfenster, als auch die Buchmalerei, die in Psaltern und Stundenbüchern der verstärkt auftretenden privaten Frömmigkeit diente. Das Zeitalter der Gotik war die letzte Epoche, für die die Buchmalerei von Bedeutung war – doch verabschiedete sie sich zugunsten des Buchdrucks mit einem wahren Crescendo.
Das berühmteste Beispiel – und das nicht nur für die Gotik, sondern für die Buchmalerei insgesamt – ist das Stundenbuch des Herzogs von Berry („Très Riches Heures“), das von den drei Brüdern Limburg, Paul, Johan und Herman, im frühen 15. Jahrhundert geschaffen wurde. Die aus dem damaligen Herzogtum Geldern stammenden Brüder waren in Paris zu Goldschmieden und Künstlern ausgebildet worden und erhielten 1402 bei Herzog Philipp II. von Burgund eine Anstellung. Als der Herzog nur zwei Jahre später starb, wurde dessen Bruder, der Herzog von Berry, ihr neuer Auftraggeber. Für ihn schufen sie mehrere Projekte, vor allem die ambitionierten Très Riches Heures, mit deren Ausführung sie 1410 begannen, die jedoch unvollendet blieben, als sowohl die Brüder Limburg, als auch der Herzog von Berry 1416 an der Pest starben. Die Fertigstellung erfolgte erst einige Jahrzehnte später.
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Im Stundenbuch des Herzogs von Berry sind die 208 Blätter etwa zur Hälfte mit ganzseitigen Illustrationen versehen, die nicht nur religiöse Darstellungen, sondern auch höfische Szenen, die einen Einblick in das Leben und die Gewohnheiten der damaligen Elite bieten. Auch hier lässt sich ein Streben nach mehr Individualität und Unikalität erkennen. Die Gründe dafür liegen in der Zunahme privater Aufträge und einem Erwachen einer Sammelleidenschaft, die von den Malern immer neue Ideen abverlangten.
Ambrogio Lorenzetti (um 1295 - um 1348)
Während die Fresken in den Kirchen aus Gründen der religiösen Verehrung die Zeiten vielerorts überdauert haben, sind ihre profanen Gegenstücke meist den wechselnden Modeerscheinungen zum Opfer gefallen. Wer jedoch einen Eindruck von solchen Fresken erhalten möchte, sollte die Südtiroler Burg Runkelstein besuchen, wo ein ganzer Bilderzyklus mit höfischen Szenen von vergangener Pracht erzählt.
Ein weiterer bedeutender profaner Freskenzyklus ist im Palazzo Pubblico in Siena zu finden, wo in der Sala dei Novi auf allegorische Weise die Folgen einer guten und einer schlechten Regierung dargestellt sind. Während unbekannt ist, wer um 1400 auf Burg Runkelstein die Fresken schuf, ist der Name des Künstlers in diesem Fall überliefert: Ambrogio Lorenzetti, der 1338 bis 1339 diesen Auftrag der Regierung seiner Heimatstadt Siena ausführte. Im Bild mit der Allegorie der guten Regierung muss die Wiedergabe der 24 Stadträte hervorgehoben werden, die so individuell dargestellt sind, dass man von Porträts sprechen kann.
Auch das Fresko mit dem von einer guten Regierung profitierenden Leben in der Stadt ist ein wegweisendes Meisterwerk, in dem Lorenzetti großen Wert auf Tiefe, Größenverhältnisse und die Interaktion der Personen untereinander legte.
Simone Martini (1284 - 1344)
Ein weiterer Künstler, der mit der Ausschmückung des Palazzo Pubblico in Siena betraut wurde, war Simone Martini, ein Schüler Duccios, der die Mischung des byzantinischen und des französischen Stils von seinem Lehrer übernommen hatte und mit seinen eigenen Innovationen bereicherte.
Seine bedeutendste Innovation entstand vor dem Hintergrund der Konkurrenz zwischen Malern und Goldschmieden. Die Goldschmiedekunst stand damals hoch im Kurs und die noch relativ ungeübten Maler hatten ihnen (noch) nichts entgegenzusetzen (an dieser Stelle sei nochmals darauf hingewiesen, dass auch zwei der Brüder Limburg eine Ausbildung zum Goldschmied genossen hatten). Simone Martini wollte das Feld jedoch erobern, um Andachts- und Altarbilder zu schaffen, die an Strahlkraft den goldenen Preziosen in Nichts nachstanden. So verwendete er für seine eigenen Werke nicht nur die Werkzeuge der Goldschmiede, sondern auch unterschiedliche Punzen anfertigen, mit deren Hilfe er Goldoberflächen, allen voran die Nimben um die Köpfe seiner Heiligen, bearbeitete, sodass sie bei richtigem Lichteinfall zu leuchten schienen.
Simone Martini zählt zu jenen Künstlern, die den internationalen „schönen“ Stil begründeten, der in Bildhauerei und Malerei vielerorts in Europa anzutreffen war. und der das letzte Kapitel der gotischen Kunst darstellt. Die Madonnen sind nun von überirdischer, idealisierter Schönheit, was durch den gekonnten Einsatz dünn lasierter Ölfarben, die den weißen Untergrund durchscheinen lassen, hervorgehoben wird. Der in der deutschen Forschung gebräuchliche Terminus „weicher Stil“ beruht auf den weichen Falten der dargestellten Stoffe, die so eine neue Dreidimensionalität erzeugen.
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Ein Meister dieses Stils war Stefan Lochner (um 1400 - 1451), der bedeutendste Vertreter der Kölner Malschule. Sehr anschaulich wiedergegeben hat Lochner dies in seiner berühmten Madonna im Rosenhag, bei der die Schattierung des leuchtend blauen Mantels einzig allein durch Farbabstufungen entstand. Lochner war ein Zeitgenosse Jan van Eycks (um 1390 - 1441) und Rogier van der Weydens (1399/1400 - 1464), die einen realistischeren und naturalistischeren Stil bevorzugten, der als Altniederländische Malerei bezeichnet wird.
In Italien stand der große Fra Angelico (um 1395 - 1455) an der Schwelle von Spätgotik zur Frührenaissance. Sein Zeitgenosse war Masaccio (1401-1428), der große Florentiner Wegbereiter der Renaissance, von dem er sich Lichtführung und die architektonische Strenge der Bildkomposition abschaute, ohne auf seinen gewohnten Stil zu verzichten.
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Die Spätgotik stellt eine spannende kunstgeschichtliche Epoche dar, in der die Malerei wichtige Lektionen lernt, um in der Renaissance erstmals aus dem Schatten der Bildhauerei zu treten und als höchste Gattung der Kunst anerkannt zu werden.
