Gesichter, die man nicht so schnell vergisst. Entdecken Sie acht berühmte Antlitze, die Maler in den vergangenen 500 Jahren für die Ewigkeit auf Leinwände, Holztafeln oder andere Bildträger gebannt haben.
Leonardo da Vinci, Mona Lisa (um 1503-06)
Ist es möglich, eine Liste der unvergesslichsten Gesichter der Kunstgeschichte zu erstellen, ohne Leonardo da Vincis Mona Lisa zu erwähnen? Wohl kaum. Zweifellos ist es das berühmteste Kunstwerk der Welt, was nicht zuletzt dem unergründlichen Gesicht der Dargestellten geschuldet ist. Die Menge an Theorien zu Mona Lisas mysteriösem Lächeln ist schier unendlich. Einige glauben, dass die Dame in dem Gemälde ursprünglich überhaupt nicht gelächelt hat und dass da Vinci es ihr erst später ins Gesicht zauberte. Und wieder andere sind überzeugt, dass die Mona Lisa eigentlich ein Mann ist, genauer gesagt, Leonardo da Vinci höchstselbst. Auch wenn noch immer nicht hundertprozentig sicher ist, wer die Mona Lisa war, so ist ihr fesselnder Gesichtsausdruck dennoch unvergesslich.
Lesen Sie auch: Die Mona Lisa als Inspirationsquelle und Auktionsobjekt
Caravaggio, Medusa (1597/98)
Gleichermaßen faszinierend, dabei jedoch auch absolut erschreckend, ist Caravaggios Darstellung der Medusa, aus deren abgeschlagenen und von Schlangen bekrönten Kopf das Blut strömt, während der Mund zu einem verstummten Schrei geöffnet ist. Die runde Form des Bildträgers erinnert an ein Schild. Tatsächlich heftete Athene, die Perseus im Kampf gegen die Medusa, bei deren Anblick jeder zu Stein erstarrte, geholfen hatte, den abgetrennten Kopf auf ihren Schild. Der lebendige Ausdruck des abgeschlagenen Kopfes macht Caravaggios Darstellung zu einem wahren Alptraum.
Lesen Sie auch: Die 10 gruseligsten Gemälde der Kunstgeschichte
Jan Vermeer, Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge (1665)
Jan Vermeers Porträt des jungen, geheimnisvollen Mädchens als unvergesslich zu bezeichnen, mag angesichts der Tatsache, dass es für mehrere Jahrhunderte in Vergessenheit geraten war, etwas unglaubwürdig erscheinen. Erst im späten 19. Jahrhundert kehrte es auf die Bühne der Kunst zurück, als Vermeers Genie endlich die Würdigung erfuhr, die es verdiente. Jeder, der das Gemälde einmal live gesehen hat, wird gewiss niemals den Eindruck vergessen, dass sich das Mädchen gerade erst spontan dem Betrachter zuwendet, um ihm etwas zuzuflüstern.
Lesen Sie auch: 6 Ikonen der niederländischen Malerei
Édouard Manet, Un bar aux Folies Bergère (1882)
Der traurige, teilnahmslose Gesichtsausdruck von Édouard Manets Mädchen hinter dem Bartresen ist einer, der sich auf ewig in die Netzhaut des Betrachters einbrennt. Manets Aufbau des Gemäldes ist absolut genial: Durch den großen Spiegel hinter der Bar wird deutlich, dass das Mädchen nicht den Betrachter anblickt, sondern einen Mann mit Zylinder – einer der vielen Besucher des Pariser Varietétheaters Folies Begère. Die dargestellte junge Frau hieß Suzon und arbeitete in den frühen 1880er Jahren tatsächlich an jener Bar. Für die Fertigstellung des Gemäldes saß sie Manet jedoch in dessen Atelier Modell.
Möchten Sie Artikel wie diesen direkt in Ihrem Posteingang entdecken? Dann melden Sie sich noch heute für unseren kostenlosen Newsletter an!
Edvard Munch, Der Schrei (1893)
Folgendes schrieb Edvard Munch selbst über die Entstehung seines berühmtesten Werks: „Ich ging den Weg entlang mit zwei Freunden – die Sonne ging unter – der Himmel wurde plötzlich blutig rot – Ich fühlte einen Hauch von Wehmut – Ich stand, lehnte mich an den Zaun Todmüde – Ich sah hinüber […] die flammenden Wolken wie Blut und Schwert – den blauschwarzen Fjord und die Stadt – Meine Freunde gingen weiter – ich stand da zitternd vor Angst – und ich fühlte etwas wie einen großen, unendlichen Schrei durch die Natur.“ Mehr muss man zu diesem faszinierenden Werk eigentlich auch nicht sagen. Tatsächlich spricht es durch den puren Ausdruck von Angst und Schmerz sogar vollkommen für sich selbst.
Lesen Sie auch: Edvard Munch: Die Farben der Seele
Amedeo Modigliani, Jeanne Hébuterne (au chapeau) (1917)
Tatsächlich könnte man jedes Porträt, das Amedeo Modigliani von seiner Geliebten Jeanne Hébuterne malte, als unvergesslich bezeichnen, denn mit den Augen eines liebenden Künstlers fing er den unvergleichlichen Ausdruck Jeannes ein, der ihn vom ersten Moment an fasziniert hatte. Doch leider war dem Liebespaar kein dauerhaftes Glück beschieden und das Wissen um die tragische Liebesgeschichte der beiden trägt sicherlich zu dem unvergesslichen Eindruck der Porträts bei.
Lesen Sie auch: 10 Künstlerpaare, die man kennen sollte
Grant Wood, American Gothic (1930)
American Gothic stellt nicht, wie viele denken, ein Ehepaar dar, sondern einen Farmer und dessen unverheiratete Tochter. Im Laufe der Jahre wurde das Gemälde immer wieder als Parodie auf das ländliche Amerika interpretiert, doch Grant Wood selbst widersprach dem und betonte, dass er es ohne satirische Absicht gemalt habe. Auf jeden Fall ist es schwer, die Augen von diesen so stoisch blickenden Menschen in dem Gemälde abzuwenden, das an eine Fotografie aus dem 19. Jahrhundert erinnert. Wie eine Barriere steht das Paar vor seinem Haus. Vor allem der Farmer mit der Mistgabel in der Hand und dem strengen Ausdruck im Gesicht erweckt einen eher abweisenden Eindruck, während die Frau sorgenvoll in die Ferne blickt. American Gothic wurde zum Objekt zahlreicher Spekulationen, Theorien, Hommagen und Parodien, was seinen Platz im kulturellen Gedächtnis gefestigt hat.
Lesen Sie auch: 6 Ikonen der amerikanischen Malerei
