Während Peggy Guggenheim vor allem für ihre avantgardistische Sammlung von moderner Kunst aus Europa und den Vereinigten Staaten bekannt ist, bildet ihre Faszination für die Kunst aus Afrika, Ozeanien und Amerika einen weniger bekannten, aber nicht weniger bedeutenden Teil ihrer Sammlung.
Zwölf fantastische Artefakte
1959 kaufte Guggenheim das, was sie als "zwölf fantastische Artefakte, bestehend aus Masken und Skulpturen aus Neuguinea, Belgisch-Kongo, Französisch-Sudan, Peru, Brasilien, Mexiko und Neuirland" bezeichnete. Diese zwölf Objekte sollten den Grundstock ihrer Sammlung von nicht-westlicher Kunst bilden, die sie in den 1960er Jahren aufbaute und die rund 50 Werke unterschiedlicher Kulturen aus aller Welt umfasst. 2021 zeigte die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, untergebracht im Palazzo Venier dei Leoni (Peggys Wohnhaus und Museum am Canal Grande), ihre Sammlung von afrikanischer, ozeanischer und präkolumbischer Kunst in einer Ausstellung mit dem Titel Migrating Objects. Die Ausstellung zeigte die Objekte in ihrem venezianischen Zuhause erstmals vollständig und stellte sie den von Guggenheim gesammelten Werken moderner Künstler wie Alberto Giacometti, Pablo Picasso und Tancredi Parmeggiani gegenüber.
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Das Sammeln nicht-westlicher Kunst
Guggenheims Sammlung reflektierte die steigende Popularität afrikanischer, ozeanischer und präkolumbischer Kunst im Westen in den 1950er Jahren. Obwohl Guggenheim eine Pionierin bei der Förderung bestimmter zeitgenössischer europäischer und amerikanischer Künstler war, geht man davon aus, dass ihre Hinwendung zur nicht-westlichen Kunst eher zum Mainstream gehörte.
Der surrealistische Künstler Max Ernst, mit dem Guggenheim für kurze Zeit verheiratet war, war beispielsweise ein begeisterter Sammler von präkolumbischer und ozeanischer Kunst und hat Guggenheims eigene Reise vermutlich beeinflusst. Bis 1959, als sie ihre ersten zwölf Artefakte erwarb, hatte sich New York zu einem Zentrum des Marktes für afrikanische Kunst entwickelt, mit vielen Galerien, die darauf spezialisiert waren, Artefakte an Sammler und Künstler weiterzuverkaufen. Objekte aus Afrika, Ozeanien und Südamerika wurden durch den Kolonialhandel und ethnografische Expeditionen ab dem späten 19. Jahrhundert nach Europa gebracht. Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts begannen moderne westliche Künstler wie Giacometti, Matisse und Picasso damit, sie zu sammeln und sich die afrikanische und ozeanische Ästhetik zu eigen zu machen. Diese Künstler empfanden ethnografische Objekte als verlockend exotisch und ein Gefühl des Unbekannten und der Authentizität hervorrufend, das von der Moderne unberührt geblieben war.
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Ihr Interesse an diesen Objekten wird heute als "moderner Primitivismus" bezeichnet: eine Faszination für Objekte und Kulturen aus Teilen der Welt, die man unsachgemäß als primitiver betrachtete. Ihr Engagement war hauptsächlich ästhetischer Natur: Ihren Herkunftsgebieten entnommen, hatten diese Objekte ihren Kontext verloren, war ihr Ursprung verborgen und wurde ihr eigentlicher Verwendungszweck ignoriert. Viele Zeitgenossen Guggenheims plädierten sogar für die bewusste Unkenntnis des Themas. Der englische Bildhauer Henry Moore argumentierte beispielsweise, dass es zum Verständnis „primitiver“ Kunst „wichtiger ist, sie anzuschauen, als sich mit der Geschichte auseinanderzusetzen“.
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Peggy Guggenheim und die afrikanische Kunst
Guggenheims Sammlung afrikanischer Kunst reflektiert die vorherrschenden ästhetischen Präferenzen der 1950er und 1960er Jahre. Sie umfasst Skulpturen aus West- und Zentralafrika, aus Ländern wie Guinea, Mali, Côte d'Ivoire, Nigeria, Gabun, die Demokratische Republik Kongo und Angola. Dazu gehören Objekte, die von den westlichen Modernisten bevorzugt wurden, wie beispielsweise D'mba-Kopfschmuck der Baga aus Guinea und ein Kota, eine Reliquienwächterfigur, aus Gabun. Ebenfalls Teil der Sammlung sind mehrere Skulpturen der Senufo aus Burkina Faso und Côte d'Ivoire sowie einige Beispiele für Dogon-Skulpturen aus Mali. Die meisten afrikanischen Arbeiten in Peggy Guggenheims Sammlung wurden in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts angefertigt, was sie zu Zeitgenossen ihrer westlichen Sammlung macht.
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Peggy Guggenheim und die ozeanische Kunst
Guggenheims Sammlung umfasst neun Objekte aus dem Pazifik, vor allem Stücke aus Papua-Neuguinea, das bis Ersten Weltkrieg zum deutschen Kolonialreich gehörte. Zwei Malangan-Objekte, eine Maske und eine Skulptur aus Neuirland sowie eine Flöten-Figur der Chambri aus dem Gebiet des Sepik-Flusses in Neuguinea gehören ebenfalls dazu. Eines der markantesten Objekte aus der indonesischen Provinz Papua ist ein wuramon, ein Seelenkanu der Asmat, das Guggenheim in den 1960er Jahren erwarb. Es zeigt eine Gruppe übernatürlicher Wesen, die jeweils nach einem bestimmten kürzlich verstorbenen Vorfahren benannt sind, dessen Geist sie verkörpern. Die Mitte wird von einem Wassergeist dominiert und entlang des Rumpfes, der an einem Ende in eine Vogelfigur mündet, sind weitere Figuren zu sehen, die andere Geister repräsentieren.
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Peggy Guggenheim und die präkolumbische Kunst
Guggenheims Interesse an präkolumbischer Kunst wurde von ihrem Ehemann Max Ernst entfacht, der sie 1959 während und nach einer Reise nach Mexiko damit bekannt machte. Während sie nur wenig Wissen aus erster Hand über die Kunst der Anden und des Amazonas besaß, zeugt ihre Sammlung mittelamerikanischer Arbeiten von echtem Engagement. In dieser Sammlung sind drei Werke aus dem antiken West-Mexiko hervorzuheben: Guggenheims Terrakottafiguren aus Nayarit, zwei freistehende Einzelfiguren und ein Ehepaar mit Kind, sind beispielhaft für die antiken kleinformatigen Figuren der Region. Trotz ihrer kulturellen und geografischen Unterschiede, verbindet diese Stücke allesamt ihre Verbindung mit Bestattungspraktiken, indem sie als eine Form der Erinnerung an die Verstorbenen dienen. Ihre Chimu-Objekte, eine dreiteilige Mumienmaske und ein Feder-Poncho, sind von Bestattungen der Elite abgeleitet und exzellente Beispiele für präkolumbische Kunst.
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Museumsgründung
Betrachtet man die Originalfotografien, die entstanden als Peggy Guggenheim im Palazzo Venier dei Leoni wohnte, gewinnt man den Eindruck, dass sie mit diesen Objekten vor allem ein ästhetisches Engagement verband. In vielen ihrer Installationen folgte Guggenheim im Wesentlichen dem, war Wissenschaftler als "Affinitätsmodell" bezeichnen: die Gegenüberstellung von westlicher Kunst und ethnografischer Artefakte für die visuelle Wirkung, vielleicht unkritisch ausschließlich auf formale Qualitäten fokussiert.
Beispielsweise auf einem Foto des Palazzo von 1966 steht die Dogon-Figur eines sitzenden Mannes aus Mali vor Picassos La Baignade von 1937. Die Gegenüberstellung betont die visuellen Überschneidungen der beiden: abstrakte Formen, flache Oberflächen und der Kontrast zwischen gebogenen und geraden Linien. Bei einem anderen Beispiel befindet sich die D'mba-Figur eines Baga-Künstlers aus Guinea vor Picassos L'Atelier (1928) für einen ähnlichen visuellen Effekt. In ähnlicher Weise werden ihre westmexikanischen Figuren installiert, um visuelle Ähnlichkeiten und die Werke der Moderne hervorzuheben und zu reflektieren, unabhängig davon, ob sie neben Picassos Le Poète (1911) oder Kandinskys Landschaft mit roten Flecken, Nr. 2 (1913) zu sehen sind.
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Aus ihrem ursprünglichen Kontext entfernt, werden diese Objekte auf verschiedene Weisen kombiniert, um eine neue Bedeutung zu schaffen. Für viele Künstler und Intellektuelle jener Zeit war genau das die Essenz des Schaffens von Kunst und des Kuratierens. André Breton zum Beispiel sprach sich für eine solche Entkontextualisierung aus. Als einer der Begründer der Surrealismus-Bewegung erklärte er: „Der Verlauf des Surrealismus ist von Anfang an untrennbar mit der Macht der Verführung und Faszination verbunden, die ozeanische Objekte auf uns ausübten.“ Breton argumentierte für die Notwendigkeit, Objekte aus ihrem Kontext und von ihrer Herkunft zu befreien, um dadurch eine kollektive visionäre Vorstellungskraft zu gewinnen. Und so sind ozeanische Objekte wie malanga-Schnitzereien aus Papua-Neuguinea oftmals gegenüber Werken surrealistischer Künstler zu finden, darunter die Gemälde von Guggenheims Ehemann Max Ernst.
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Für die weniger wohlwollenden Kritiker stellt Peggy Guggenheims Auseinandersetzung mit nicht-westlicher Kunst lediglich eine raffinierte Dekoration dar, vielleicht im Gegensatz zu ihrer modernistischen Sammlung, die bewusster wirkt. Für andere hingegen haben die Gegenüberstellungen, die sie in ihren Installationen geschaffen hat, das Potenzial, den Betrachter zu bewegen und möglicherweise in die kollektive Vorstellungskraft einzugreifen, wie es die Surrealisten gehofft hatten.
